TRASLACIONES BAILARINA UN PROYECTO DE TRANSMISIÓN DE SONIA GÓMEZ CON INVITADOS
En Bailarina Lírica Javier Cuevas canta las ocho pautas de movimiento del espectáculo Bailarina de Sonia Gómez. Canciones sin estilo ni época, canciones que quieren ser grandes y que fantasean con albergar una historia.
El cantante se mueve y de moverse, canta. El performer canta y de cantar, se mueve. Es un concierto-performance que combina voz, cuerpo, música disparada y sonidos generados en directo. Una pieza construida en el detalle de la fuerza emotiva y movilizadora per se de la canción como estructura simple, como narrativa, como principio y como contexto para lo que sucede entre el intérprete y el público.
Entrevista Sonia Gómez y Javier Cuevas, Graner mayo 2015: https://vimeo.com/127226930
Coproducida por MOM/Marta Oliveres Management y Auditorio Adán Martín de Tenerife. Estrenada en el Auditorio Adán Martín de Tenerife. Pre-estreno en E&G Somerprogram/Stamsund, Noruega. Presentada en el Museo Nacional de Arte de Catalunña (MNAC) dentro del SÂLMON FESTIVAL 2015/ Graner(Barcelona).
1LAS INTENCIONES
En las Translaciones Bailarina invito a otros intérpretes y creadores a convertir el solo Bailarina en un proyecto dual.
En el último año, dentro del proceso de investigación-creación del solo Bailarina, me he preguntado cómo hacer un espectáculo de danza hoy, desde los contenidos creativos, la interpretación y la relación con el público. Bailarina explora de manera personal, simple y minimalista cómo hacer un espectáculo con un solo intérprete, prescindiendo de un equipo, escenografía, diseño de luces o un suelo especial.
La pieza es un recorrido detallado por la interpretación, la construcción de un espectáculo y la proximidad con el público, el resultado es un unplugged escénico bailado.
En las Translaciones Bailarina quiero contrastar estos conceptos y hacer de nuevo el solo Bailarina, un espectáculo que conozco bien y al que le profeso cierto estatus de magnificencia, pero que me genera muchas preguntas. Es una propuesta cargada de ironía porque pretende convertir un modesto solo en un espectáculo de repertorio, es lo que ocurre con las grandes obras, se hacen versiones, se actualizan y en cierto modo se destruye el original. Bailarina no es una gran obra, ni mucho menos, pero persigue cierto anhelo de utopía que la hace arriesgada y peligrosa.
En el proyecto de las Translaciones Bailarina de transmisión-creación los colaboradores codifican el solo Bailarina con sus recursos, trucos escénicos, hallazgos y referentes, con los conceptos y las reglas del solo, desde su origen hasta los propósitos que tenían en el momento de la creación.
Los invitados son: Idurre Azkue, Javier Cuevas y Amalia Fernández. En la versión de Idurre Azkue, Bailarina DÚO nos ocupamos del concepto del doble y el desdoblamiento, fundirse en el otro
a través del contagio y la súper posición de planos.
En Bailarina Lírica Javier Cuevas crea un paisaje sonoro, el flujo performativo entre la danza y el sonido. Compone ocho canciones, las canta y las doma suave suave.
Amalia Fernández dirige el solo, aquí se dividen las tareas y se definen los roles, sin mezclarse, Sonia hace de intérprete de su propia pieza y Amalia, como directora, asume la responsabilidad del resultado titulado Bailarina Dadá.
El final del proceso con las piezas independientes podría confluir en un espectáculo coral que uniera las tres versiones.
2LOS EJES DE TRABAJO EN BAILARINA COMO PUNTO DE PARTIDA PARA EL PROYECTO DÚO
En Bailarina el movimiento es el protagonista absoluto y todo gira alrededor del deseo de moverse. Era algo que Sonia Gómez tenía pendiente desde siempre, tomarse el tiempo para descubrir cómo danzar sin los recursos autobiográficos y teatrales que llevaba utilizando en los últimos diez años. El espectáculo tiene una puesta en escena muy sencilla para que podamos ver al intérprete al desnudo, lo más llano y directo posible. La pieza está pensada para bailar en espacios inesperados, precisos, preciosos, que transmitan placer y empatía al intérprete y al espectador.
Me alegro de que Bailarina sea tan emocionante, tan Sonia Gómez sin, aparentemente ya, pretenderlo y, a la vez, tan inesperado. Me alegro de que aún me siga sorprendiendo. Rubén Ramos,Teatron. 02/OCT2014 http://www.tea-tron.com/rubenramos/blog/2014/10/02/notas-que-patinan-56-solo-espero-que-os-hagais-una-idea/
El delicado y tierno solo de danza de Sonia Gómez, Bailarina. Santi Fondevila diari Ara.cat. 02/OCT2014 http://www.ara.cat/premium/cultura/diferent-festival-Terrassa-Noves-Tendencies_0_1222677738.html
Bailarina es una coreografía con ocho pautas de movimiento dentro de una secuencia que se repite seis veces. Las pautas son abstractas y no existe relación predeterminada entre ellas. Son ocho bloques independientes de movimiento durable llamado comúnmente escenas:
1. Andas como un pingüino. 2. Te mueves de manera interesante. 3. Vuelas. 4. Encuentras algunas posiciones cómodas. 5. No sabes decir la palabra imperecedero. 6. Eres un Phoenicopteriforme rosa. 7. Te quedas pasmada mirando un objeto muy pequeño. 8. Y un Epílogo con tres bailes: el baile Eléctrico, el baile Antártico y el baile Apocalíptico Feliz.
En el proyecto de transmisión-creación los colaboradores codifican estas ocho pautas de movimiento abstracto con sus recursos, sus trucos escénicos, los hallazgos y los referentes. En cada remake vamos a revisar los conceptos y las reglas desde su origen hasta el propósito que tenían en el momento de la creación deL solo Bailarina y con esos materiales vamos a hacer de nuevo el espectáculo. Bailarina es la excusa para analizar un espectáculo de danza hoy, después de tantos años de representación y cuestionamientos.
CÓMO SE HA HECHO BAILARINA.
1. El prefijo auto como por ejemplo, autonomía, auto-empleo, auto-placer, auto-producción o autosugestión. 2. La investigación en el movimiento, el baile, los movimientos micro, el estado y el uso del espacio. 3. Unas reglas para el intérprete, el espectáculo y el público.
1. EL PREFIJO AUTO
Auto es una postura, reivindica la posibilidad de realizar un proyecto a pesar de las circunstancias. Hagamos una prueba, añadimos auto en las palabras clave para hacer un espectáculo: auto-empleo, auto-creación, autosugestión, auto-dirección, auto-producción y auto-programación. Estos preceptos han originado la práctica, un sistema para optimizar los recursos existentes y para desestimar aquellas soluciones que no se ceñían a las reglas del proyecto y a la realidad.
2. LAS PESQUISAS EN EL MOVIMIENTO, EL BAILE, LOS MOVIMIENTOS MICRO, EL ESTADO Y EL USO DEL ESPACIO.
– El movimiento y el baile
Para bailar este proyecto es muy importante el estado y cómo el cuerpo se hace dramatúrgico, intuitivo, semiinconsciente, post-algo. El cuerpo es el protagonista absoluto, como única herramienta, casi sin elementos externos. El cuerpo hoy, después de tantos años de representación y cuestionamientos sobre el cuerpo performativo que baila.
– Los Movimientos micro en manos, dedos, boca, lengua, orejas, pies, rodillas, codos, hombros, cintura, columna, dientes, uñas etc. Y desde dentro: células, huesos, fluidos, membranas, músculos y cartílagos. Cada uno de ellos busca los pequeños movimientos coordinados por diferentes tiempos y ritmos dentro de secuencias de repetición, vibración y cadencias que mueven las líneas, el trazo, las curvas y las ondulaciones. Combinándolo con las paradas, las formas, las metáforas, las anatomías no asociadas, las anatomías bellas y feas, las anatomías imposibles, las anatomías desagradables o extrañas y las anatomías individuales. Los movimientos son de dos tipos, distorsionados o armónicos y producen ilusiones ópticas en el observador.
– El estado
Relación entre lo consciente y lo inconsciente llamado inspiración del momento. Es decir, por un lado tenemos la interpretación mecánica-natural y la interpretación creativa-natural. La interpretación mecánica-natural es la que representa el guión, las pautas y el tiempo escénico, es decir, sigue a pie juntillas el espectáculo. La interpretación creativa-natural es la relación entre ese espectáculo pautado y el tiempo presente, es ahí donde el intérprete ajusta el estado y la interpretación teniendo en cuenta la sintonía del momento. El resultado es una interpretación muy natural, casi una no representación.
– El uso del espacio
En este proyecto es imprescindible que el público vea al intérprete desde muy cerca ya que los materiales están pensados para ese fin. Por tanto, es muy importante en qué lugar se hace la pieza para que las perspectivas, las sutilezas de los materiales y la fragilidad de la propuesta no se vean alteradas. El espectáculo distribuye las escenas equitativamente en el espacio y el tiempo para que todos los espectadores vean al intérprete desde cerca, a cierta distancia y con la multiplicidad de planos que implica la representación en 360o.
3. LAS REGLAS PARA EL INTÉRPRETE, EL ESPECTÁCULO Y EL PÚBLICO
– El intérprete
1. Cosas que le gustan y cosas que le asustan. 2. Qué sabe hacer sin la ayuda de otros. 3. Ajustarse a lo realmente necesario. 4. Optimizar los recursos y el empleo del tiempo. 5. Dejar que las ideas vengan, vayan, se alejen y cobren distintas formas. 6. Entrenar e investigar cada día.
7. Ser honesto y sincero con uno mismo. 8. Encontrar el tipo de actuación (movimiento, palabra, acción etc) que lo lleva a un estado que le deja estar y al espectador mirar. 9. Imaginar una pieza ideal, como un traje hecho a medida. 10. La presencia del público no afecta al intérprete.
– Interpretar, estar en escena, la experiencia.
Manejar esa sutil distancia entre el que está actuando y el observador. El intérprete está cómodo, comparte lo aprendido durante años actuando, para ello se apoya en la química, separa las sustancias volátiles de otras más fijas para llevarlas a una puesta en escena extremadamente sencilla. No hay nada espectacular, nada artificial, aunque sigue habiendo cierta pose, superficialidad y cálculo, elementos tan propios de la representación, pero que aquí se muestran con naturalidad. Todo es natural, ni demasiado, ni demasiado poco, el menos es más de las virtudes de un intérprete vistas desde muy cerca. El intérprete lleva al límite la representación desde una interpretación sutil y extremadamente profunda. Muestra su poder de la manera más sencilla y honesta posible, sin casi elementos externos a los que recurrir y buscando la autonomía, la libertad, el placer, la inteligencia, la belleza, la ironía, la agudeza, la frescura y la profundidad. El intérprete tiene todo el peso del espectáculo, se muestra al desnudo, lleno de veracidad y riesgo.
– El espectáculo
Situarse en un espacio-tiempo abstractos que produzca misterio, intimidad y una hospitalidad invisible. Aquello de lo que se está hablando está por debajo de lo que se está mostrando. Esta pieza aparentemente tan sencilla está construida por múltiples capas y pequeños detalles que ponen de manifiesto la infinidad de imágenes que produce el cuerpo, el orden coreográfico, la proximidad con el público y la sutileza del intérprete. Formalmente la pieza es una coreografía dividida en ocho pautas de movimiento abstracto dentro de una secuencia que se repite seis veces y varía dependiendo de la repetición, la acumulación, la adaptación y el desajuste. El humor es fundamental aunque es tan sutil que pasa desapercibido El espectáculo está lleno de tonterías que se ejecutan con seriedad, nada es demasiado solemne, creativo, artificial, bello, original, divertido o afectado. La pieza busca suscitar la empatía entre el espectador y el intérprete con muy pocos elementos.
– El público
La puesta en escena sitúa a los espectadores y al intérprete en un mismo plano, se ven unos a otros, sin que ello se convierta en una anécdota, experiencia, acción o ejercicio performativo. Aunque se prescinde del espacio que normalmente separa la escena del público y de los recursos que acompañan el acto escénico, lo que vemos sigue siendo un espectáculo. La pieza está interpretada en 360o, de tal modo que ofrece a cada uno de los espectadores ángulos, perspectivas y puntos de vista individualizados. Atención a la multiplicación de frentes, tantos espectadores, tantos frentes posibles. El público forma parte de la propuesta pero no es un espectáculo participativo, aunque el intérprete y el público estén muy cerca.
La iluminación es la del lugar, el público y el intérprete están iluminados por igual. El espacio escénico es de 9X5 delimitado por un rectángulo de 25/35 sillas para los espectadores.
Necesidades técnicas.
El espacio para la pieza y el público.
El público se sienta en un rectángulo de sillas que dibuja y delimita el espacio escénico 9X5. Hay entre 25 (min) y 35 (máx) espectadores.
El intérprete utiliza un soporte de audio profesional que el mismo manipula:
– 4 columnas autoamplificadas sobre trípodes + 1 monitor de cuña a suelo. – 1 subwoofer activo. – 1 mesa de sonido sencilla (2 canales min). – 2 micrófonos SM58 o similar.
– 2 pies de micrófono. – Cableado canon-canon para la microfonía a loopstation y a mesa (al menos cuatro unidades de 10m + empalmes). – Cableado jack-jack para guitarra eléctrica a mesa ((al menos dos unidades de 10m + empalmes).
La iluminación es la del lugar, no hay luz adicional, ni un suelo especial tipo linóleum. Es importante tener en cuenta que si la iluminación del espacio es muy interesante durante el día, adecuar el horario de representación para aprovechar la luz natural del lugar.
Se precisa un técnico de sonido y un maquinista o regidor. El espectáculo viaja sin técnico. El montaje y desmontaje son sencillos.
3BÍOS Sonia Gómez
Bailarina, performer y coreógrafa. Estudia Danza Contemporánea y Coreografía en el “Institut del Teatre” de Barcelona y en P.A.R.T.S Bruselas, Bélgica. Ha trabajado con General Eléctrica y La Carnicería Teatro. Ha colaborado con Txalo Toloza, Joan Morey, Juanjo Sáez, Chicks on Speed, Ceferino Galán, Txell Miras, Sergi Fäustino, Carles Salas, Álex Brahim, Lorena Lozano, Laia Estruch, María Ibarretxe, José Luís Cañadas, Ramón Herreros y ComRàdio(ExtraRadi).
Desde el año 2004 crea sus propios espectáculos y performances. “Trilogía Egomotion’04”; “Mi madre y yo ‘04” y “Las Vicente matan a los hombres’06” con Rosa Vicente Gargallo, madre de Sonia Gómez; “Bass, concierto para animales’05”(l’Espai,BCN); “I will never stop dancing’05”(FIB, Benicássim); “Natural2’06”(Mercat de les Flors,BCN. Beca Incubadora’06, Olot); “Experiencias con un desconocido’07” (Festival LP de danza o no… CCCB BCN).
Premio FAD SEBASTIÀ GASCH’07 DE LAS ARTES PARATEATRALES. “Experiencias con un desconocido Show’08-09”(CAER- Reus/Mercat de les Flors-BCN. Premio al espectáculo más innovador en gira 2009 Feria Internacional/Huesca 2010. Los encargos para la temporada 2010/2011: “Eau de Chichi” (Proyecto CUVO/Matadero/Madrid) y “Hardheaded Woman” (LP’11/Ex -Festival de Dansa/La Porta/CCCB BCN) La propuesta para público familiar OFFvsON (Festival MónLlibre’11 y SònarKids’11, BCN) Temporada 2011/2012 “Moviments Polítics”,(CAER-Reus/Mercat de les Flors, BCN) El taller “El Movimiento de la cámara” con Txalo Toloza. Temporada 2012/2013 el proyecto de cuerpo-movimiento-arquitectura “Composición Animada” (Dies de Dansa-MNAC, MACBA, ALHÓNDIGA, BILBAO) y el espectáculo “The Inquisitive Middle” en colaboración con la coreógrafo inglesa Lucy Suggate (Estreno Festival TNT, Terrassa, Salmon y Sónar’14, Barcelona).
Proyecto en residencia durante el 2014 Graner/Barcelona: “Bailarina”, Estreno SEP’14 Festival TNT, Terrassa. Vive y trabaja en Barcelona.
+info http://soniagomez.com/ TEASER DE BAILARINA https://vimeo.com/104715602
/// OTROS PROYECTOS https://vimeo.com/54934495 /// https://vimeo.com/88244707
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Javier Cuevas Creador, dramaturgista, actuante y generador/mediador de contextos para las artes escénicas contemporáneas.
Psicólogo y Terapeuta Familiar Sistémico, se vincula a la música y la escena desde el año 97 con formaciones como Super8 y Sopassoup, colaborando desde el inicio en diversos proyectos escénicos y cinematográficos como compositor, actor y creador de espacios sonoros. Del 2008 al 2011 dirige el proyecto jazzístico Caro Ceice con la que realiza la gira No desembocan en el mar al tiempo que trabaja como actor, compositor y músico en montajes de Cia. Ferroviaria y con diversos artistas vinculados a la creacion contemporánea.
Entre 2007 y 2010 coordina Centro Párraga, Espacio de Investigación y Desarrollo para las Artes Escénicas de Murcia, espacio privilegiado para el aprendizaje en torno a la creación, los creadores, los espacios y las redes.
Desde diciembre de 2010 y hasta la fecha reside y trabaja en Tenerife alternando proyectos de mediación cultural (la plataforma Espacios Abiertos de Libre Creación, el trabajo curatorial de la III Edición del Mercado Atlántico de Creación Contemporánea (Macc) o La Noche en Blanco La Laguna 2011, Festival SITIO (SC de Tenerife, 2014) o la Quincena de Cultura Noruega Contemporánea en La Laguna (2014); como coach en torno a nuevos lenguajes dramatúrgicos y la escena contemporánea (Fuera de sí, dramaturgias del otro, Tenerife Danza Lab, Auditorio de Tenerife Adán Martín, 2011), la creación musical y escénica, y la dirección y coordinación del Laboratorio de Artes en Vivo del Teatro Leal de La Laguna.
Su primer proyecto de creación, GRACIAS (1”) LÍMITES, 2011, es coproducido por el Auditorio de Tenerife Adán Martín. Colabora en proyectos agenos (diseño de espacios sonoros para DE LO EFÍMERO A LO ETERNO, Isabel Delgado y AWAKE IN THE DREAM, de Carlota Mantecón y Jessi Brett) y trabaja como actuante, dramaturgista y coproductor en HAMLET POST SCRIPTUM de Roberto G. de Mesa -coproducido por Teatro Victoria y Festival Encuentros 2012, Premio Mejor Interpretación Masculina Festival Indifestival-Miriñaque 2013, Santander-. En noviembre de 2013 estrena EL AMOR ES UN PERRO QUE VIENE DEL INFIERNO, coproducido por Teatro Guimerá (S/C de Tenerife).
En 2014 colabora como dramaturgista y actuante en LIVE (EN VIVO) de Carlota Mantecón (Teatro Victoria, S/C Tenerife). En octubre de 2014 presenta la conferencia bailada PROGRAMAR ES FOLLAR dentro de los II Encuentros sobre cuerpo y performatividad comisariados por Masu Fajardo (Teatro Guimerá, S/C Tenerife) y organiza y coordina junto a la dramaturga y comisaria Sara Serrano LALAGUNA.NO / I QUINCENA DE CULTURA NORUEGA CONTEMPORANEA EN LA LAGUNA.
En 2015 codirige y comisaría el II Festival Sitio, Artistar la ciudad (Santa Cruz de Tenerife), colabora con la Sociedat Doctor Alonso en el proyecto EL DESENTERRADOR, con la creadora y coreógrafa Sonia Gómez en el proyecto BAILARINA y en EL DELICADO Y RESISTENTE HILO MUSICAL, nuevo proyecto de Amalia Fernández.